Colonialismo, arte, catena logistica del museo. Gareth Dal recensisce le mostre in programma questo mese al Whitworth di Manchester.
L’economia campione d’incassi – Non è tutto come al solito durerà fino al 22 ottobre 2023; Tracce di spostamento durerà fino al 7 gennaio 2024; Il mondo materiale di Albrecht Dürer durerà fino al 10 marzo 2024
Il rapporto tra arte e industria nella Gran Bretagna del diciannovesimo secolo non era certo di reciproco calore, ma la costruzione della Whitworth Gallery nel 1889 si proponeva di correggere la situazione, per dimostrare che questi due ambiti della vita umana potevano fiorire in armonia. Il suo finanziamento arrivò per gentile concessione di Sir Joseph Whitworth (1803–87), un individuo che, uno dei curatori ci dice, è passato “da umili origini per fare fortuna grazie alla sua attitudine per l’ingegneria”. Sarebbe più accurato dire che suo padre era un sacerdote e suo zio possedeva un cotonificio in cui gli fu data la prima occasione e ogni incoraggiamento a sviluppare quell’attitudine ingegneristica. I pionieristici fucili di precisione (o “bersaglieri”) da cui derivò gran parte della sua fortuna furono acquistati dagli stati imperiali britannici e soprattutto francesi, nonché dall’esercito confederato che li usò con effetti spettacolari durante la Guerra Civile, quando operava da la loro base a Richmond, Virginia, una città sulla quale torneremo più avanti. L’azienda di Whitworth si è evoluta in Vickers-Armstrongs e poi in Rolls Royce, che rimane oggi un importante produttore di armi.
Le mostre attuali al Whitworth si collegano tutte a quella storia, e in modi affascinanti e sfaccettati. Iniziano con l’esposizione permanente, che allude agli oscuri rapporti economici che si celano dietro le splendide mostre della galleria, rapporti che includevano i fucili appena menzionati, uno degli strumenti attraverso i quali vengono creati i rifugiati – e questo è il tema della mostra adiacente. , “Tracce di spostamento”. Per compilarlo, i curatori della galleria hanno setacciato l’intera collezione per trovare opere d’arte e documenti relativi allo sfollamento e all’asilo. Il quadro geografico e storico è immenso e va dalla schiavitù transatlantica fino ai rifugiati dell’Africa sub-sahariana o della Siria di oggi. Tra gli artisti viventi presenti nella mostra, molti hanno partecipato al suo lancio, ma molti altri erano presenti impedito di partecipare per ironia della sorte, dalle leggi ostili sull’immigrazione del governo britannico.
Si tratta di una mostra ricca e variegata che non può essere esaminata completamente in questa sede, ma permettetemi di menzionare uno dei documenti più inquietanti in mostra. È una lettera di un funzionario di un sindacato, l’Associazione tedesca dei tecnici, a uno dei suoi membri ebrei, Arthur Wolff. Il messaggio inizia con “Werter Berufskamerad!” [‘Werter’ means dear or valued; ‘Beruf’ is occupation or profession; Kamerad is comrade]. La lettera prosegue: “Poiché i presupposti per la vostra adesione all’Associazione tedesca dei tecnici non sono più validi in base alle norme ariane, abbiamo cancellato il vostro nome dal nostro registro dei membri con effetto immediato”. L’ufficiale poi firma “Mit deutschem Gruss!” [With German Greetings!] Questo atto di disinvolta crudeltà burocratica avvenne, fortunatamente, già nel 1933. In quell’anno la fuga era ancora una possibilità. Dopo lo stage come “alieno nemico” sull’Isola di Man, Wolff alla fine si stabilì a Manchester.
Da Tracce di spostamento passiamo alla prossima mostra, L’economia campione d’incassi – Non è tutto come al solito. Si tratta di uno sforzo ambizioso per ripensare le relazioni tra arte ed economia, che coinvolge dieci collettivi di artisti e numerosi contributori, tra cui sindacati, accademici, commercianti di bancarelle del mercato gallese e un’azienda di stampa di banconote ungherese. Il risultato è, per così dire, l’uovo di un curatore. La mostra di punta, visualizzata su sette schermi successivi, è un film della “Congolese Plantation Workers Art League”, una cooperativa artistica di ex lavoratori delle piantagioni con sede a Lusanga. Il loro documentario è un racconto affascinante e avvincente del saccheggio coloniale, delle sue ramificazioni ed echi nei musei e delle gallerie del mondo ricco, e della resistenza collettiva ad entrambi.
La storia inizia con la colonizzazione del Congo da parte del Belgio e la creazione di una piantagione e di una fabbrica di olio di palma da parte della Lever Brothers (ora Unilever) nell’area occupata dal popolo Pende. Le condizioni di lavoro erano brutali: la schiavitù, in effetti, veniva imposta tramite il rapimento di bambini e lo stupro delle donne. Tra i Pende, nella loro agonia e disperazione, crebbero movimenti spirituali che cercavano l’aiuto degli antenati attraverso la divinazione, così come la resistenza diretta attraverso rallentamenti, scioperi e rivolte armate. In seguito ad alcune uccisioni di uomini Pende da parte delle truppe coloniali nel 1931, un esattore delle tasse belga, Maximilien Balot, fu ucciso e la ribellione si intensificò. Dopo la sua soppressione, il bilancio delle vittime superò i mille Pende, e un solo europeo: lo stesso Balot. Il suo cadavere fu conservato, come talismano, dai Pende, che scolpirono anche un busto, per controllare lo spirito di Balot e per farlo funzionare per il popolo Pende. Il busto è il punto focale del film. In un momento di terribile povertà, fu acquistato per una miseria da un collezionista svizzero che lo donò a un museo, costruito su un terreno un tempo occupato da piantagioni di schiavi a Richmond, in Virginia. Il Virginia Museum of Fine Arts ora possiede con orgoglio l’oggetto, notando questo “Viene esposto pubblicamente per la prima volta” nella loro istituzione. Gli artisti congolesi riuscirebbero a ottenere che la Virginia presti loro il busto di Balot, per esporlo nel loro? “Cubo bianco” museo a Lusanga? Il documentario che descrive nel dettaglio la loro ricerca è di per sé un’opera d’arte straordinaria, che invita gli spettatori a guardare in modo nuovo l’arte e le sue relazioni con il potere, il capitale, la schiavitù e il colonialismo.
Se il documentario Balot è la mostra più impressionante del L’economia, il successone, anche molti altri sono affascinanti. Uno, di The Alternative School of Economics, presenta grafici didattici che presentano una critica ideologica del neoliberalismo in una forma grafica intrigante che ci consente di guardare questo vecchio argomento stanco con occhi nuovi..
Alcuni degli altri, tuttavia, sembrano incanalare il desiderio di alcuni artisti di reinventarsi come operatori di mercato. Non assomigliano altro che a negozi di articoli da regalo costosissimi, e con questo lo spettacolo vira dalla critica al kitsch. Forse la mostra più fantasiosa all’interno del segmento kitsch è intitolata “Quantitative Melencolia”. Si tratta di una riproduzione della famosa incisione di Albrecht Dürer, Melencolia I (1514), che raffigura una figura alata e abbassata (forse un autoritratto spirituale) mentre tutt’intorno ad essa sono riuniti sul pavimento inutilizzati ‘gli utensili della vita attiva‘, di scienza, artigianato e tecnica. Con l’aiuto di un produttore di banconote ungherese (appropriatamente, dato il background di immigrato ungherese di Dürer), gli artisti hanno decodificato la lastra di stampa originale e stampato diciotto copie su carta del XVI secolo in vendita a £ 5.000 ciascuna. L’esercizio, apparentemente, è un commento sul “quantitative easing”, ma questo recensore non ha colto il punto.
Lo stesso Dürer e il suo “mondo materiale” sono al centro della terza e ultima mostra di Whitworth, Il mondo materiale di Albrecht Dürer. I secoli in cui visse, il Quattrocento e il Cinquecento, testimoniarono la concentrazione di ‘sviluppi seminali nella pittura e nella scultura’, osserva lo storico dell’arte Janet Wolff (che sembra essere la figlia di Arthur Wolff). Dürer (1471-1528) ne fu il cuore e l’artista più noto del Rinascimento settentrionale. Quella fu un’epoca di cambiamenti esplosivi nella religione, nell’economia e nelle arti, inclusa la Riforma, la diffusione della stampa e la crescente domanda di immagini stampate tra la fiorente classe mercantile, il concetto di proprietà intellettuale e, a questo correlato, la nozione di genio artistico. Dürer fu coinvolto personalmente in tutto ciò: cattolico per tutta la vita, fortemente tentato dal protestantesimo; un incisore che ha rivoluzionato il mezzo; e uno di una nuova generazione di artisti che si crogiolavano nella propria posizione di genio individuale. Fu il primo pittore, scrive John Berger, “ad essere ossessionato dalla propria immagine” e si potrebbe quasi dire che abbia inventato il genere dell’autoritratto. In uno di questi, esposto al Whitworth, si ritrae nudo, in un bagno con altri tre uomini. Il focus di Il mondo materiale di Albrecht Dürer è sul coinvolgimento dell’artista nella produzione e nello scambio locale, durante questa fase iniziale della rivoluzione sociale che stava facendo nascere l’Europa capitalista e il suo malcontento imperiale, i cui aspetti sono stati curati in modo così creativo al Whitworth quest’anno.
Origine: www.rs21.org.uk
